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El Body Art o Arte Corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en Europa en los años 1960 y, en especial, en Estados Unidos.
Se trabaja con el cuerpo como material plástico, al que se lo pinta, calca, ensucia, tatúa, cubre. El cuerpo se transforma en el lienzo o en el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.
Dentro de la categoría general de Body Art, podemos definir al Body Painting como una pintura artística aplicada a la piel y es considerada como una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados quienes descubrieron que la tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros elementos provenientes del reino animal, vegetal y mineral, servían quizás para impresionar al enemigo, en forma de pintura de guerra, o de señal de reconocimiento de una tribu. Esta técnica de maquillaje primitivo pudo también servir de camuflaje para la caza.
Probablemente el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenecía a su grupo y situarse en relación a su ambiente. Esta práctica ilustrada se convertía en un instrumento de transformación. Los dibujos y los colores permitían cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada, o sencillamente servían de ornamento.
La pintura corporal reaparece en Occidente a fines del siglo XX. Arte transitorio, el pintor crea un diseño sobre su modelo. Se le consagran varios festivales, entre ellos el de Seeboden en Austria, el World Bodypainting Festival en Bruselas, y en Bélgica el Festival Internacional de la película fantástica, The International Body Painting Contest.
Práctica moderna de la pintura corporal: La pintura corporal hoy, conocida como Body Art, es practicada en las sociedades occidentales con otros objetivos sobre todo lúdicos, artísticos y decorativos. Su carácter espectacular convierte a esta actividad en algo sumamente valorado debido a la técnica en conjunto con la creatividad de los artistas que la desarrollan.
La temática de la pintura corporal es sumamente variada. Dentro de los temas preferidos podemos mencionar los animales: felinos en la mayoría de los casos. También serpientes y arañas se integran a figuras decorativas muchas veces abstractas. Otro de los temas preferido por los artistas es el fantástico: criaturas multicolores, proporcionadas de alas, antenas, garras recorren los festivales alrededor del mundo. Se encuentran también el camuflaje: el cuerpo se integra a su medio ambiente, árboles, papel o paredes decrépitas.
En muchos países la pintura corporal se utiliza durante los festejos del carnaval.
Performance: antecedentes
Si bien fue en los 60´s y 70´s el auge de este tipo de expresiones fuertemente corporales, presenciales, experimentales, activistas, hubo un largo recorrido anterior, un fluir, entre el ritual y el entretenimiento, entre la eficacia y el espectáculo, desde el nacimiento de la cultura. Pero entre los historiadores del arte, hay cierto acuerdo en reconocer el nacimiento de la performance art de mano de los Futuristas italianos durante los convulsionados primeros años del siglo XX. También Tristan Tzara y los artistas del Cabaret Voltaire realizaron acciones similares. A fines de los años 30, Antonin Artaud tuvo una influencia decisiva en los artistas de entreguerras, con El teatro y su doble, fundando un teatro de la vida, de la autenticidad, del gesto y de la improvisación.
En los 60, con los grupos que crearon el Accionismo vienés, la Situacionista Internacional, Fluxus y los Happenings, este tipo de arte se terminó de afianzar.
Günter Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler realizaron, entre los 60 y los 70, performances extremas, en las que sus cuerpos eran sometidos a un grado de violencia muy grande. Frecuentemente eran llevados a prisión por períodos breves, acusados de violar las leyes de decencia, y sus trabajos eran caratulados como "fuera de la moral".
Yves Klein, Vito Acconci, Marina Abramovic, Valie Export, John Cage, Hermann Nitsch, Chris Burden, Carolee Schneemann, Yoko Ono, Joseph Beuys, Wolf Vostell y Allan Kaprow fueron otros artistas que fundaron la performance en los 60. En 1970 el dúo británico Gilbert and George creó la primera "escultura viviente", constituida por una performance durante la cual se pintaban de oro y sangre.
Pero quizá sea la obra de los accionistas vieneses, autoagresivas y extremas, la que más llama la atención, aunque todos los perfomers de esas décadas buscaban al ser humano "auténtico", no "castrado" por al funcionalismo de la sociedad; al hombre que vive por fuera de las leyes de la conveniencia o del provecho.
En Latinoamérica, la performance estuvo ligada no sólo a la importación de tendencias vanguardistas desde Europa y Estados Unidos, sino a los rituales de origen indígena propios de los pueblos originarios de las distintas regiones y también a su circulación interna. Pueden distinguirse, entonces, diferencias estéticas y conceptuales entre las acciones de estas regiones, en comparación de las antes nombradas, pero sin duda la razón principal es que los artistas que experimentan con este tipo de género tienden a producir obras autorreferenciales, que mucho tienen que ver con sus contextos, con sus entornos socioculturales.
Si bien es lícito afirmar que la acción representada por las estatuas vivientes es la confluencia entre performance y body art, éstas cambian completamente su sentido inicial. Ya no son la alternativa a un medio en decadencia ni la negación de la tradición del Arte, sino un medio más a disposición del artista, del cual puede hacer uso a voluntad, sin rechazar la posibilidad de alternarlo con los medios tradicionales.
Así, creemos que esta rama del arte callejero es un intento por recuperar un espacio festivo y común que ligue la práctica artística a su entorno socio-cultural. A través de su actividad reclaman la inserción de los artistas en el espacio público, el espacio que pertenece a cada uno de los habitantes permanentes y circunstanciales de la ciudad.
Nuevamente, las artes plásticas dialogan con el teatro, la música y la danza, en un intento de redefinir el arte, de borrar las antiguas fronteras que convertían a cada una de las disciplinas artísticas en compartimentos estancos. Es un intento por generar nuevas asociaciones, que si bien no son inéditas, sí lo son las formas concretas en que se materializan y los significados o mensajes que pretenden transmitir. Lo mismo ocurre con la relación que generan con el público que es el principal “target” de estas manifestaciones.
por: María Victoria Fornoni * “Estatuas vivientes, una síntesis de performance y body art” es un informe especial, realizado en la ciudad de Mendoza, que se publicará (en el sito www.artemza.com.ar ) en tres partes durante 3 semanas consecutivas. |
